Blickwechsel

Am Sonntag, dem 4. Oktober 2020 hat Dr. Karin Schick, Kuratorin der Ausstellung Max Beckmann. weiblich-männlich, ihren Arbeitsplatz in die Ausstellung verlegt. Drei Stunden lang stand sie für Fragen und Gespräche bereit. Um Punkt 14.30 Uhr fanden sich die ersten Besucher*innen ein, um persönlich mit Karin Schick über ihre Ausstellung zu sprechen: Was waren ihre Beweggründe, das Verhältnis von weiblich und männlich in den Fokus zu rücken? Warum wählte sie lavendel als Wandfarbe? Wie erfolgte die Auswahl der ausgestellten Werke?
Die Gelegenheit der 1:1-Begegnung mit der Kuratorin war eine Besonderheit für viele Besucher*innen. »Blickwechsel – Wortwechsel« entfaltet eine neue, andere Form der Dynamik: der persönliche, direkte Austausch, die Möglichkeit, hinter die Kulissen zu blicken, zu fragen und eigene Gedanken zu teilen.

Intensive Gespräche, gemeinsames Nachdenken und persönlicher Austausch – all das fand am Sonntag, dem 25. Oktober 2020 in der Ausstellung Max Beckmann. weiblich-männlich am »Blickwechsel«-Tisch statt. Zwischen den Besucher*innen und der Spoken Word-Künstlerin Monika Mertens ergaben sich zahlreiche Fragen: Was bedeutet männlich, was ist weiblich? Was liegt zwischen diesen Kategorien, und wie verstand der Künstler Max Beckmann sie? Wie erleben die Besucher*innen Geschlechterzuschreibungen heute, im privaten und öffentlichen Leben?

Aus Stichworten dieser Dialoge formte die Künstlerin spontan kurze Texte und Gedichte. Aus dem flüchtigen Gedanken wurde so geschriebenes Wort. Am Tisch ausgelegt, konnten die Ergebnisse wiederum kommentiert werden und Ausgangspunkte für eine weitere Auseinandersetzung mit dem Thema der Geschlechter und ihrer gesellschaftlichen Relevanz sein.

Aus diesem Blickwechsel sind mit der temporären Schließung der Hamburger Kunsthalle bis zum 11. Januar 2021 nun schriftlich geführte Wortwechsel geworden. Wir erleben nun Dr. Jan Metzler, Literaturwissenschaftler und Leiter Kommunikation & Marketing an der Hamburger Kunsthalle, in einem sehr feinsinnigen Gespräch mit der Kuratorin und Leiterin der Sammlung Klassische Moderne, Dr. Karin Schick, über die Lithographie Bildnis Peter Beckmann von Max Beckmann aus dem Jahr 1918.

KS: Lieber Jan, aus den vielen Werken der Ausstellung »Max Beckmann. weiblich-männlich«  hast Du ein Porträt des Sohnes Peter Beckmann im Alter von 10 Jahren ausgewählt. Was interessiert oder berührt Dich an dieser Darstellung besonders?

JM: In meinem Studium habe ich mich viel mit der Literatur des Expressionismus beschäftigt, der Zeit zwischen 1910 und 1920. Also genau der Zeit, in der auch Max Beckmanns Porträt seines Sohnes entstand. Der Expressionismus wird oft als Revolte der Söhne gegen die Väter gelesen, sozusagen die pubertäre Phase der Literatur der Moderne. Das Ganze gipfelt dann in Franz Kafkas berühmtem »Brief an den Vater« aus dem Jahr 1919. Mütter kommen in dieser Literatur so gut wie gar nicht vor, auch expressionistische Schriftstellerinnen gibt es wenige. Da schreiben also Söhne mit viel Pathos und Idealismus gegen eine steife, einengende wilhelminische Vätergeneration an. Der Schrei in die Welt, als der der Expressionismus auch bezeichnet wird, ist vielleicht das markanteste Bild dafür. Die Epoche ist laut. Die Bevölkerungszahlen der Städte explodieren, die Technik macht riesige Fortschritte, die Geschwindigkeit nimmt zu. Die Gewalt des Ersten Weltkriegs ist überall präsent. Auch in den Werken Beckmanns aus dieser Zeit.

Und dann steht man in der Ausstellung plötzlich vor diesen zarten Porträts seines Sohnes. Keine vollendeten Bilder, eher Studien. Sie haben mich sofort berührt. Hier blickt ein Vater auf seinen Sohn. Und hier ist etwas anders. Du hast Beckmann ja als den zupackenden, männlichen Weltendeuter befragt, als den ihn die Forschung und auch er sich selbst gerne gesehen hat. In diesen wenigen Porträts von seinem Sohn steckt ganz viel Unsicherheit. Es ist ein unsicherer Blick, der uns da entgegen schaut, nein, eher durch uns hindurchschaut. Man spürt eine große Distanz, der Sohn scheint wie entrückt. Ausgearbeitet sind eigentlich nur Kopf und Hände, der Rest bleibt skizzenhaft. Spontan haben mich der Blick und die Kopfhaltung an Beckmanns Selbstbildnis aus dem Jahr 1905 erinnert, das ebenfalls in der Ausstellung hängt. Blickt Beckmann 13 Jahre später in seinem Sohn auch auf sich selbst? Nichts Ungewöhnliches für einen Vater.

Typisch für seine Epoche hat Beckmann sich viel mit Weltschöpfungsmythen beschäftigt, also der Frage, wie die Welt und vor allem die Menschen entstanden sind. Dabei geht es immer wieder um männliche und weibliche Kräfte, die ineinander wirken. Letztlich ist es die uralte Vorstellung einer männlichen Form und einer weiblichen Materie, aus der alles entsteht. Der geniale Künstler-Mann vereinigt gleich beides in sich und macht die Frau überflüssig. Da ist der Otto Weininger lesende Beckmann in meinen Augen ganz seiner Zeit verhaftet. Sein Sohn aber wirkt wie ein störendes Element. Ich möchte fast sagen: wie eine Kränkung dieses Künstlernarzissten, der sich selbst als eine Einheit aus Männlichem und Weiblichem phantasiert. Seinen Sohn aber bekommt er nicht recht zu fassen, ihn muss er sich auch künstlerisch auf Distanz halten. Wenn es um seinen Sohn geht, dann ist bei Max Beckmann, um es mit Sigmund Freud zu sagen, »das Ich nicht Herr im eigenen Haus«. Hier passiert etwas in seinem Werk, dass er nicht beherrschen kann. Vielleicht gibt es deswegen so wenige Bilder von seinem Sohn.

KS: Die Lithographie »Bildnis Peter Beckmann« hängt in einem Saal der Ausstellung, der »Die Familie« betitelt ist. War dieses Thema für dich als Literaturwissenschaftler, für deine eigene Arbeit wichtig?

JM: Das ist eine spannende Frage. Meine Doktormutter Martina Wagner-Egelhaaf meinte damals, dass die Themen, die man sich aussucht, immer auch etwas mit einem selbst zu tun hätten und nicht einfach nur beliebige Forschungsfelder seien. Wir haben das damals empört von uns gewiesen. Wir waren schließlich objektive angehende Wissenschaftler! Dachten wir. Ich habe damals über die Krise des männlichen Künstlersubjekts im Expressionismus gearbeitet. Da ging es viel um Ekel, verwesende Körper, generell um Materie, die sich dem souveränen Künstlermann entzieht und die er im künstlerischen Prozess immer wieder zu formen versucht. Da hört man so einen Hinweis wie den der Doktormutter vielleicht nicht gerne. Die Energie, die in den Sohn-Vater-Konflikten des Expressionismus liegt, habe ich damals immer nur aus der Perspektive des Sohnes betrachtet. Erst jetzt, da ich selbst Vater eines Sohnes bin, verschiebt sich diese Perspektive. Ich glaube, mit Mitte Zwanzig wären mir in der Ausstellung Beckmanns Porträts seines Sohnes nicht unbedingt aufgefallen.

KS: Welchen Eindruck hinterlässt die Ausstellung bei Dir, welchem Gedanken oder welcher Anregung möchtest Du vielleicht nachgehen?

JM: Ich habe mich am Anfang schon gefragt, warum wir eine Ausstellung über die Vorstellungen von »weiblich« und »männlich« bei einem so machohaften Künstler wie Beckmann machen. Auf den ersten Blick ist da so viel zeit- und epochentypisch bei ihm. Die Porträts seines Sohnes zeigen aber – und sie sind nur ein Beispiel –, wie spannend es ist, den Irritationen in seinen Werken nachzugehen. Den Stellen, wo in der Kunst etwas Widerständiges auftaucht. Dann sind die ganzen großen Modelle plötzlich gar nicht mehr so rund und vollkommen. Dann wird auch der große Max Beckmann plötzlich unsouverän und damit erst so richtig spannend.

Dr. Jan Metzler, Studium der Deutschen Philologie, Psychologie und Kommunikationswissenschaften an der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster. Seit 2003 an der Hamburger Kunsthalle, leitet die Abteilung Kommunikation & Marketing. Promotion über »De/Formation: Autorschaft, Körper und Materialität im expressionistischen Jahrzehnt“. Veröffentlichungen zu „Weiblichkeit und Tod in Heinrich Manns Frühwerk« und zur transdisziplinären Materialitätsdebatte, Mitherausgeber von »Aus dem Verborgenen zur Avantgarde: Ausgewählte Beiträge zur feministischen Literaturwissenschaft der 80er Jahre«

Aus diesem  »Blickwechsel« sind mit der Schließung der Hamburger Kunsthalle nun schriftlich geführte  »Wortwechsel« geworden. Im zweiten Teil korrespondiert Sabine Zorn, Restauratorin und Leiterin der Restaurierung Graphik & Fotografie an der Hamburger Kunsthalle, mit Sophia Colditz und Ann-Kathrin Hubrich (wissenschaftliche Mitarbeiterinnen) über Beckmanns großformatige Tuschzeichnung Selbstbildnis mit Fisch« aus dem Jahr 1949:

AKH: Liebe Sabine, wir haben dich gebeten, ein Werk aus der Ausstellung  »Max Beckmann. weiblich-männlich« auszuwählen, und du hast dich für  »Selbstbildnis mit Fisch« entschieden. Was macht die Tuschzeichnung für dich so interessant?

SZ: Das schwarz-weiße Selbstbildnis entstand nur wenige Jahre vor Beckmanns Tod in den USA und ist eines der letzten Selbstbildnisse des Künstlers. Beckmann hat sich selbst im Kurzarmhemd gezeichnet, das über die Schulter gewandte Gesicht teils von einem Hut verschattet, rauchend, einen Fisch in der Faust haltend. Diese kraftvolle, fast schon fotografische Momentaufnahme des Künstlers an einem sonnigen Tag in der Natur inszeniert ihn – sucht man dazu in den digitalen Medien – in einer bis heute geläufigen, klassischen Darstellungsweise von Männlichkeit. Auch viele weitere der im Laufe seines Lebens entstandenen Selbstbildnisse weisen dieses Merkmal auf. Beckmanns Verständnis von männlicher Identität erscheint so in Anbetracht der gesellschaftlichen Umbrüche und normativen Veränderungen innerhalb seiner Selbstbildnisse zunächst seltsam unberührt. Betrachtet man jedoch Beckmanns Leben selbst oder liest seine Tagebücher, ergeben sich aufgrund von Ereignissen wie der Teilnahme am Ersten Weltkrieg, dem Verlust der Anstellung in Frankfurt und seiner künstlerischen Anerkennung, der mit finanziellen Unsicherheiten verbundenen Emigration nach Amsterdam oder dem Neubeginn in Amerika mit über 60 Jahren deutliche Brüche. Im Kontext der gesellschaftlichen Erwartungen dieser Zeit hat das sicherlich dazu geführt, dass Beckmann seine männliche Identität auch als etwas Zerbrechliches und Unbeständiges wahrnehmen musste.

Betrachtet man vor diesem Hintergrund das Selbstbildnis erneut, ergibt sich auch hier eine Ambivalenz. So wird der Blick von der zwei Drittel des Bildhintergrunds einnehmenden Schwärze abgewendet und über die Schulter zurück gerichtet. Der Blick bezieht den Betrachter nicht ein, geht an ihm vorbei in die Ferne. Der Fisch (bei Beckmann auch Sinnbild für die seelische Verfassung) wird zwar entschlossen von der Hand umfasst, kann jedoch jeden Moment entgleiten.

Wendet man sich in diesem Zusammenhang der gegenwärtigen Entwicklung zu, in der Männlichkeit u. a. als toxisch oder fragil beschrieben wird, Formen der gewaltsamen Dominanz in den sozialen Medien zunehmen (siehe Tweets von Donald Trump) oder Männer, die aus der ihnen zugedachten Rolle fallen, als unmännlich diffamiert werden (Piers Morgan gegen Daniel Craig), hat die Auseinandersetzung mit dem Thema Männlichkeit (und Weiblichkeit) keinesfalls an Bedeutung verloren. Aktuelle Geschehnisse, wie das medial sehr aufmerksam begleitete Auftreten des Ehemanns (Douglas Emhoff) der designierten ersten US-Vizepräsidentin Kamala Harris, sind dabei genauso essenziell wie die Auseinandersetzung mit historischen Vorlagen.

SC: Welche Rolle spielt deiner Meinung nach die Materialität und Technik eines Werkes im Hinblick auf die Motivwahl?

SZ: Beckmann bedient sich für seine Selbstbildnisse einer breiten Palette von Techniken. Er malt sich gerne in weltmännischer Pose selbstbewusst großformatig in Öl, zeichnet sich aber auch in kleineren Formaten mal nachdenklich, mal entschlossen mit der Radiernadel. Auch Aquarell und Pastell kommen als Zeichenmittel zum Einsatz. Die Verwendung des schwarzen Tuschpinsels vermischt mit Kohle ist bei den Selbstbildnissen eher ungewöhnlich. Zwar verwendet Beckmann den Tuschpinsel regelmäßig für Umrisslinien, fügt den Arbeiten (ob in Öl oder Aquarell) dann aber üblicherweise noch Farbe hinzu. Im Falle von  »Selbstbildnis mit Fisch« erzielt Beckmann durch den monochromen Einsatz des schwarzen Pinsels eine expressive, in ihrer starken Hell-Dunkel Kontrastierung mit der Farbe des Blattes fast holzschnittartige Wirkung. Feinere Linien werden von breiteren Pinselstrichen überlagert, die im Bildhintergrund zur schwarzen Fläche verdichtet werden, von welcher sich Künstler und Fisch abheben. Die fließende Konturierung und die flüchtig skizzierten, sich netzartig überlagernden Linien verstärken die spannungsvolle Grundstimmung der Zeichnung. Die Spontaneität des Tuschpinsels verleiht dem Selbstbildnis den Eindruck der Fotografie-typischen Momentaufnahme. Es ist jedoch – wie häufig bei Beckmann – vermutlich erst im Nachgang an den Ausflug im Atelier entstanden.

AKH: Hat sich dein Blick auf Max Beckmann durch die Ausstellung verändert?

SZ: Die Stillleben von Max Beckmann waren eines der Vorbereitungsthemen meiner Abiturprüfung 1996 in Baden-Württemberg. Diese bildgewaltigen Werke haben den nachhaltigsten Eindruck bei mir hinterlassen. Den Künstler nun in seiner Auseinandersetzung mit einem ganz anderen, auch tagespolitisch aktuellen Thema wiederentdecken zu können, war daher eine besondere Erfahrung. Vom Künstler erneut überzeugt hat mich seine künstlerische Vielfalt und sein versierter Umgang mit den verschiedenen Techniken. Aus ihnen holt er für seine jeweiligen Themen und Ideen das Maximum heraus.

Sabine Zorn, geb. 1976, Studium der Konservierung und Restaurierung von Graphik, Schriftgut und Fotografie an der Hochschule der Künste Bern. Von 2004 bis 2010 Anstellungen am Aargauer Kunsthaus in Aarau, am Kunstmuseum Bern und an der Hochschule der Künste Bern. Seit 2011 Leiterin Konservierung / Restaurierung von Graphik und Fotografie an der Hamburger Kunsthalle. Publikationen u. a. zu den Zeichenmaterialien und -techniken Anita Rées und den Zeichenmitteln von Stefano della Bella und Leonardo da Vinci.

 Aus diesem  »Blickwechsel« sind mit der Schließung der Kunsthalle nun schriftlich geführte  »Wortwechsel« geworden. Im dritten Teil lesen Sie nun Özlem Nas, Turkologin und Erziehungswissenschaftlerin sowie Bildungsbeauftragte bei der SCHURA – Rat der Islamischen Gemeinschaften in Hamburg e. V., im Gespräch mit Sophia Colditz (wissenschaftliche Mitarbeiterin).

SC: Liebe Frau Nas, das Gemälde  »Doppelbildnis Max Beckmann und Minna Beckmann-Tube«, das aktuell in der Ausstellung  »Max Beckmann. weiblich-männlich« zu sehen ist, hat Ihre Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Was sehen Sie in dieser Darstellung?

ÖN: In dem Gemälde sieht man Max Beckmann mit seiner Frau Minna. Es fällt auf, dass trotz der zueinander geneigten Körperhaltung die Körpersprache und der Gesichtsausdruck von Distanz zeugen. Die Stimmung des Paares wirkt grundsätzlich voneinander abweichend. Es scheint eine gewisse Spannung in der Luft liegt zu liegen. Vielleicht eine bereits verflogene Harmonie, die Minna als in sich gekehrte Frau zurückgelassen hat? Ein starker, selbstbewusst und lässig posierender Mann und neben ihm sitzend seine schwache Frau, die in die Leere starrt und die Hoffnung auf Erfüllung ihrer Wünsche, Erwartungen und Bedürfnisse in weiter Ferne weiß?

SC: Dieses Gemälde des Paares zeigen wir innerhalb der Ausstellung im Saal  »Doppelselbst«, einer Gruppe von Doppelbildnissen Max Beckmanns mit seiner ersten bzw. zweiten Ehefrau: Was ist aus Ihrer Perspektive ein  »Selbst«, und was würden Sie unter einem „Doppelselbst« verstehen?

ÖN: Das Selbst setzt sich aus vielen Facetten zusammen. Es ist fluid. Es formt sich mit unseren Erfahrungen und Erlebnissen. Es wächst, erblüht, stagniert oder verkümmert entsprechend der Umstände und Entfaltungsmöglichkeiten, die es umgeben. Je nachdem, in welchem Raum es sich bewegt, kann eine andere Facette zum Vorschein kommen oder aber in den Hintergrund treten. Welche Räume lassen also welche Facette zu und welche Räume legen welche Facette frei? Wo kann das Selbst wachsen und sich entfalten? Wo kann das Selbst authentisch sein und sich wohl und willkommen fühlen? Ganz gleich, ob sich das Selbst in einer Partnerschaft befindet oder im gesellschaftlichen Kontext bewegt – es sollte frei sein. Ein Selbst existiert nicht, um die Erwartungen derjenigen zu erfüllen, die meinen bestimmen zu dürfen, wie es zu sein hat.

Der Begriff  »Doppelselbst« erweckt in mir den Anschein von der Existenz zweierlei „Selbsts«, die ambivalent, aber in Gemeinschaft sind. Dies kann eine freiwillige oder unfreiwillige Partnerschaft sein, die freudvoll oder leidvoll ist. Wenn das Selbst keinen Zwängen unterliegt, anders sein zu müssen als es sein will, und sich freiwillig als Doppel sieht, kann dies meines Erachtens als Stärke betrachtet werden. In umgekehrter Weise ist es zweifelsohne ein Leid. Ob man von einem Selbst, einem Doppelselbst oder einem multiplen Selbst spricht, sollte immer dem Selbst entspringen und keine erzwungene Existenzform auf äußere Umstände darstellen.

SC: Welchen Beitrag kann Max Beckmanns Kunst auch zukünftig noch leisten, um einen interkulturellen Dialog zum Thema  »weiblich-männlich« zu stärken?

ÖN: Durch die Einbettung in dialogische Vermittlungskonzepte kann die Kunst eine Plattform zum Austausch über gesellschaftliche Konzepte zu „weiblich-männlich«, aber auch über viele andere Themen bieten. Beckmanns Kunst stellt viele Facetten des Mensch-Seins und des menschlichen Miteinanders in den Mittelpunkt und bietet dadurch viele Anreize, um miteinander ins Gespräch zu kommen und die  »Normativität von Normalität“ zu hinterfragen. Für eine Stärkung des  »interkulturellen Dialogs« muss die fachliche Rahmung ein Setting beinhalten, das Zugangsbarrieren erkennt und entfernt und einen Frei-Raum schafft für Menschen, die divers sind. Dies kann zum Beispiel dadurch erfolgen, dass ein Dialog auf Augenhöhe geführt wird wie bei dem Projekt  »Kunst im Interreligiösen Dialog« von Marion Koch und der Hamburger Kunsthalle. Dem Begriff  »interkulturell« sollte ein Konzept multipler Kulturen zugrunde liegen. Eine Einengung des  »Kultur«-Begriffs auf die  »Herkunft“«wird unserer gegenwärtigen Lebenswelt nicht gerecht. Ein Austausch, dem ein Frei-Raum für diverse Menschen zugrunde liegt, kann dazu beitragen, den Horizont der Betrachterinnen und Betrachter in unterschiedlichen Nuancen zu färben, das Verständnis füreinander zu weiten und den Zusammenhalt zu stärken. Es ist eine gesamtgesellschaftliche Aufgabe, diese barrierefreien Frei-Räume in Begleitung von Beteiligungsverfahren zu schaffen, kontinuierlich zu pflegen und zu erneuern. 

M.A. Özlem Nas, Studium der Turkologie, Erziehungswissenschaft und Psychologie an der Universität Hamburg. Promovendin am Fachbereich Erziehungswissenschaft:  »Religiöse Bildung muslimischer Jugendlicher in Schule und Gemeinde«. Publikationen im Bereich Religion/Religionssensibilität & Isam. Stellvertretende Vorsitzende des Interreligiösen Forums Hamburg, des Bündnisses Islamischer Gemeinden in Norddeutschland und im Vorstand der Schura Hamburg für Bildungsarbeit. Referentin bei »Kunst im interreligiösen Dialog« in der Hamburger Kunsthalle. Bildungsreferentin bei dem Projekt QualiMoVe. Mediatorin, Moderatorin, interkulturelle Trainerin und Lehrer*innenfortbildnerin.

 Aus diesem  »Blickwechsel« sind mit der Schließung der Kunsthalle nun schriftlich geführte  »Wortwechsel« geworden. Im vierten Teil wagt die Filmemacherin Nathalie David ein Experiment: Ihre Antwort auf die Fragen von Sophia Colditz (wissenschaftliche Mitarbeiterin) ist ein Drehbuch für einen Kurzfilm.

SC: Liebe Nathalie David, Sie haben aus den Werken in der Ausstellung »Max Beckmann. weiblich-männlich« ein zentrales Gemälde des Künstlers für unseren Dialog ausgewählt, das den Besuchern der Hamburger Kunsthalle vertraut ist: „Odysseus und Kalypso“. Wie erleben Sie als Künstlerin und Filmemacherin das Bild, sehen Sie es durch die Linse einer Kamera?

ND: Vielen Dank, dass Sie mich dazu eingeladen haben. Ich habe überlegt, wie ich mit meinen Tätigkeiten in diesem »Blickwechsel/Wortwechsel« mitwirken kann und bin auf die Idee gekommen, ein Mini-Drehbuch zu schreiben, sodass man sich einen Kurzfilm vorstellten kann, wenn man es liest:

VORSPANN

Musik: Swing Jazz aus den 1930/40er-Jahren als Hommage an Beckmanns »Selbstbildnis mit Saxophon« (1930)

Karte/Titel: Grüne Schrift auf Schwarz – wie das Grün im Bild in der rechten oberen Ecke hinter der Katze:

SCHNITT

1 – Totale Interieur Hamburger Kunsthalle, Lichtwark-Galerie. Die Musik wird leiser. Man hört den dezenten Klang sich nähernder Frauenschritte. Die Musik wird ausgeblendet. Wir sehen das Beckmann-Gemälde.

Eine junge Frau kommt von der linken Seite ins Bild und positioniert sich zwischen dem Kakadu und dem rechten Bein von Odysseus. Sie zeigt uns ihren Rücken. Sie trägt einen geraden Mantel mit schwarzem Saum und dazu einen Cloche-Hut, beide aus derselben Schurwolle in Chromgelb. Die Farbe erinnert an das Chromgelb des Kakaduschnabels, von Odysseus Bart, Kalypsos Fingernägeln und der Schnauze der Katze. Aus dem Hut fallen ihre schwarzen Haare auf den Rücken und zeichnen dort ein schwarzes Quadrat. Die schwarze Farbe erinnert an Kalypsos Haare, genau wie der Saum des Mantels an die schwarzen Konturen erinnert, die ein Markenzeichen von Beckmanns Malerei sind.

Die junge Frau trägt beige-rosafarbene wollene Strümpfe in der Farbe von Kalypsos Körper und elegante braune Schuhe mit flachem Absatz. Sie schaut das Bild an.

SCHNITT

2 – Nahaufnahme

Die Kamera schwenkt langsam von links nach rechts, leicht nach oben, von Odysseus’ rechtem Auge weiter über Kalypsos Auge bis zum Auge der Katze, fährt zurück nach links in der Diagonale bis zum Kakadu und von dort gerade nach unten zu den Knöcheln von Odysseus und Kalypso. Wir hören die junge Frau stöhnend überlegen.

SCHNITT

Die Kamerabewegung folgt ihrer Stimme und ihrem Atem.

Sie flüstert: – ER SIE SIE ER

und atmet aus. Sie wendet ihren Kopf von Odysseus zu Kalypso. Atmet ein. Von Kalypso zur Katze. Von der Katze zum Vogel. Man spürt die Interaktion zwischen dem Bild und der jungen Frau.

SCHNITT

3 – Großaufnahme

Sie nimmt die Position von Odysseus ein, Hände hinter dem Nacken. Die Füße breit aufgestellt. Sie murmelt vor sich hin.

Sie sagt: (tiefe Stimme) ER, passiv. Er blickt in die Ferne. Der Vogel an seiner Seite.

SCHNITT

4 – Nahaufnahme von der rechten Hand der jungen Frau, die sich bewegt wie das Flattern eines Vogelflügels. Die Kamera folgt der Hand, die sich vor dem Bild hebt. Man sieht kurz das Blau des Schildes hinter Odysseus’ Kopf. Man sieht die Finger der Frau vor dem Bild. Sie zählt mit den Fingern ihrer linken Hand etwas ab. Man sieht ihre beiden Hände in spielerischer Interaktion. Dann imitieren sie die Geste von Kalypso, eine Hand auf dem Herzen, die andere ihn haltend, damit er für ewig bleibt. Eine dritte Hand nimmt die beiden Hände und sie verschwinden schnell aus dem Bildausschnitt nach links. Die dritte Hand, leicht dunkelhäutig, trägt ein chromgelbes Freundschaftsbändchen aus Baumwolle.

SCHNITT

5 – Großaufnahme von dem blauen Schild oben links mit dem Schwert.

Der blaue Schild erinnert an eine Uhr. Das Schwert an die Uhrzeiger.

Ton: Man hört das Ticken einer Uhr.

Sie sagt: ER will wegfliegen, heimkehren nach Ithaka zu seiner Frau Penelope und seinem Sohn Telemachos. Seit sieben Jahren hält ihn Kalypso bei sich fest und nur mit Hilfe von Zeus kann er sich befreien.

Sie flüstert: eins zwei drei vier fünf sechs sieben eins zwei drei vier fünf sechs sieben

Ton: Das Ticken der Uhr hört auf.

SCHNITT

6 – Nahaufnahme von Kalypsos Gesicht, Schmuck, Körper, Knöchel.

Eine andere Frauenstimme sagt im Off, während die erste weiter die Ziffern flüstert:

– SIE, aktiv, schön, anziehend, verliebt, selbstbewusst, bestimmend, verspricht ihm Unsterblichkeit, wenn er bei ihr bleibt.

Die erste Frau hört auf zu zählen und erwidert:

– SIE mit dem Federschmuck am Hals. Kette. Katze

Die zweite Frau:

– ER Vogel – die Schlange, die ihn umschlingt. Schwert

– SCHHHHHHHHHHHHHHH! Grande histoire!

SCHNITT

7 – Halbnahe Aufnahme von beiden Frauen zusammen mit Odysseus und Kalypso

Erste Frau: Odysseus und Kalypso, 1943

Zweite Frau: Großes Liebespaar mit Schlange, so war der Titel zuerst. Das sollte Beckmann selber sein mit seiner geliebten Naïla, der größten Leidenschaft seines Lebens.

Seit 1937 lebt er im Exil und sehnt sich nach Deutschland.

Erste Frau: Amour Amour, woher weißt Du das?

Zweite Frau: Hab’s grade im Katalog gelesen.

SCHNITT

8 – Totale

Beide Frauen mit dem Rücken zu uns vor dem Bild. Die zweite Frau trägt einen langen weiten Pullover mit Rollkragen, petrolblau mit schwarzen vertikalen Linien aus Kaschmir. Dazu bis über die Knie einen smaragdgrünen Faltenrock aus Wolle mit chromgelben horizontalen Linien. Sie trägt wollene petrolblaue Kniestrümpfe und leichte braune Wanderschuhe. Ihr fülliges braunes Haar fällt in einem Pferdeschwanz locker gebunden bis zum unteren Rücken. Die Farbe und die Länge des Haares erinnern an die Schlange und an das Katzenfell, die petrolblauen Strümpfe an Odysseus’ Beinschienen und das Smaragdgrün an die Farbe der Kakadufedern.

Beide Frauen sind gleich groß und gleich alt. Plötzlich umarmt die zweite Frau die erste Frau mit ihrem Arm, gibt ihr einen riesigen Kuss auf die Wange und sagt:

– Na komm, ich hab' Durst.

Die erste Frau spielt mit ihrer langen Gliederkette aus Zelluloid in Schwarzweiß. Sie gehen nach rechts aus dem Bild. Man hört ihre Schritte, die sich entfernen.

Musik: Der Swing Jazz setzt dort wieder ein, wo er im Vorspann aufgehört hatte.

Titel: THE END

Grüne Schrift auf Schwarz

Nachspann

Nathalie David, geboren in Frankreich, lebt seit 1989 in Hamburg. Sie studierte freie Kunst an der Villa Arson in Nizza und an der HfBK in Hamburg bei Sigmar Polke und Katharina Sieverding mit anschließendem Zusatzstudium am Institut des Hautes Études von Ponthus Hultén in Paris und an der HfBK in Visueller Kommunikation. 1992 erhielt sie das Hamburg-Stipendium, das FIACRE Stipendium, Paris, und 2003 ein einjähriges Stipendium an der HFF Potsdam-Babelsberg bei Helke Misselwitz. Sie sieht den dokumentarischen Blick als Genre und als spezifischen Kunstprozess.