Thomas Gainsborough

Thomas Gainsborough orientierte sich in seinen frühen Gemälden an niederländischer Landschaftsmalerei des 17. Jahrhunderts. Zu seiner Zeit wurde sie sehr geschätzt, und Gainsborough konnte sie in vielen privaten Sammlungen studieren. Er selbst hatte die Niederlande zunächst nicht besucht. Die alltäglichen Motive und die einfach erscheinende Komposition nahm sich der junge Maler zum Vorbild. An ihnen schulte er sich, um sich weiterzuentwickeln, denn die Malerei seiner englischen Zeitgenossen war oft noch provinziell. Er erreichte in seiner Landschaftsmalerei Klarheit und Tiefe. Die Gemälde nehmen Atmosphären auf und werden zum Stimmungsträger. Auch wenn die Landschaften frei komponiert sind, wirken sie immer in sich stimmig und wie direkte Beobachtungen.

Thomas Gainsborough (1727–1788): Landschaft mit Hirten, um 1746/47, Öl auf Leinwand, 49 x 65,5 cm, Sudbury, Gainsborough's House Society

Unter dem Thema Der Zugriff auf die Realität vergleicht die Ausstellung frühe Werke Gainsboroughs wie Holywells Park mit Landschaften niederländischer Künstler aus der Sammlung der Hamburger Kunsthalle. Hier wird deutlich, wie der Künstler Techniken der Komposition, der Perspektive, der atmosphärischen Darstellung lernte und die Bedeutung der Landschaft als Stimmungsträger zu einem wichtigen Aspekt seiner Gemälde entwickelte. In für England im frühen 18. Jahrhundert typischer Weise knüpfte Gainsborough eng an die europäische Tradition an, um auf dieser Grundlage eine eigenartige und neuartige Kunst zu entwickeln. Insbesondere das Verhältnis von Mensch und Landschaft interessierte Gainsborough, die Verbindung mit und die Einfühlung in die Natur, die im Begriff der Empfindsamkeit (»sensibility«) zum Ausdruck kam.

Thomas Gainsborough (1727–1788): Holywells Park, um 1748–1750, Öl auf Leinwand, 50,8 x 66 cm, Ipswich Museum and Gallery © Ipswich Museum and Gallery

Das Kapitel Die soziale Landschaft zeigt, wie Gainsboroughs Landschaftskunst die großen sozialen Umbrüche der Zeit spiegelte und ihnen Ausdruck gab. Der Künstler präsentierte Menschen in der Landschaft zwischen Armut und Idylle und versuchte mit jedem Bild etwas zu fassen, für das es noch keine eindeutige Formulierung gab. Die zunehmende Privatisierung des Gemeindelandes sorgte in England dafür, dass große Teile der Landbevölkerung verarmten und als billige Arbeitskräfte in die Städte abwanderten. Gleichzeitig wurde der private Landbesitz zum Statussymbol. Gainsborough näherte sich dieser Entwicklung von Seiten der Besitzenden und der Verarmenden. Die ländliche Migration wird, wie in dem Hauptwerk Erntewagen, zum zentralen Thema in seinen späten Landschaften.

Thomas Gainsborough (1727–1788): Waldlandschaft mit Wagen (»Der Erntewagen«), um 1766, Öl auf Leinwand, 120,7 x 144,8 cm, Birmingham, The Barber Institute of Fine Arts © The Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

Technisch schufen zu dieser Zeit die Weiterentwicklung der Dampfmaschine und die Erfindung des mechanischen Webstuhls die Voraussetzung für die frühe Industrialisierung. Die Ausstellung veranschaulicht unter dem Thema Der kreative Prozess, wie auch die englische Malerei von diesem Ideal der Innovation angetrieben wird. Die Landschaftskunst Gainsboroughs wird zum technischen und intellektuellen Laboratorium: Um bestimmte Wirkungen in seinen Zeichnungen zu erreichen und die Grenzen der Gattung immer wieder aufs Neue zu erweitern, experimentierte er mit Farben und unterschiedlichsten Techniken wie Aquatinta und Weichgrundradierung, verwendete Magermilch oder malte Bilder auf Glas. Mit Küstenlandschaft mit Segelschiffen wird eines dieser äußerst empfindlichen Werke auf Glas ausgestellt, das ursprünglich in einem von Gainsborough konstruierten Guckkasten präsentiert wurde, und in der Schau wieder von hinten beleuchtet zu erleben ist.

Thomas Gainsborough (1727–1788): Küstenlandschaft mit Segelschiffen, um 1783, Öl auf Glas, 27,9 x 33,7 cm, London, Victoria and Albert Museum © Victoria and Albert Museum, London

Wie radikal Gainsborough Licht und Farbe zum Ausgangspunkt seiner Malerei machte, zeigen seine späten Werke. Stimmung und Atmosphäre der Szenen werden zu ihrem Hauptgegenstand. Die Figuren und ihre Umgebung sind nicht mehr klar voneinander abgegrenzt. Die Konturen zwischen den Elementen lösen sich auf.

Beim Gemälde Amelia Charlotte, Frances, Harriot und Charles Marsham (»Die Marsham-Kinder«) sind Gainsboroughs Pinselstriche mitunter so frei, so dynamisch, dass sie hier und da die Grenzen der Bildelemente auflösen und die Kinder mit der Pflanzenwelt verschmelzen – als seien die Kinder selbst ein Teil dieser verehrten und geachteten Natur.

Eine besondere Qualität dieser Gemälde ist, dass sie in Nahsicht deutlich den Pinselstrich des Malers zeigen, und gleichzeitig in der Fernsicht eine schlüssige Gesamtwirkung erreichen. Gainsborough hatte genaue Vorstellungen darüber, in welcher Höhe seine Werke in den Ausstellungsräumen der Royal Academy hängen sollten. Um die optimale Wirkung seiner Bilder zu garantieren, stritt er häufig mit den Verantwortlichen der Royal Academy darüber. Aufbauend auf kunsthistorischen Traditionen entwickelte Gainsborough so eine neue Ästhetik und wurde damit zukunftsweisend für nachfolgende Künstlergenerationen.

Thomas Gainsborough (1727-1788): Amelia Charlotte, Frances, Harriot und Charles Marsham (»Die Marsham-Kinder«), 1787, Öl auf Leinwand, 242,9 x 181,9 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie © bpk/Gemäldegalerie, SMB /Jörg P. Anders